Un’Italia capovolta, sospesa a un cavo, rivestita d’oro, modellata nel bronzo, nel vetro, nel marmo o negli stracci. Un Paese che sembra perdere continuamente il proprio equilibrio, talvolta prezioso e monumentale, altre volte fragile, deformato, ridotto a una sagoma da appendere o da mettere in vendita. Tra il 1968 e il 2006 Luciano Fabro (1936-2007) ha realizzato quarantacinque «Italie», uno dei cicli più riconoscibili e concettualmente articolati della sua produzione, trasformando il profilo geografico della penisola in un’immagine attraverso la quale interrogare la storia, l’identità e le contraddizioni della nazione. A questa lunga ricerca è dedicato «Rivolta Italia. Il bello e il brutto del belpaese di Luciano Fabro», il nuovo libro di Giacinto Di Pietrantonio, pubblicato da Johan & Levi e in libreria dal 20 novembre. Un volume che affronta uno dei capitoli fondamentali dell’Arte Povera attraverso una prospettiva capace di intrecciare storia dell’arte, letteratura, cultura politica e memoria collettiva, restituendo la complessità di un artista che ha fatto della scultura uno strumento di conoscenza e di riflessione sul proprio tempo. L’uscita coincide con la grande retrospettiva «Abitare lo spazio», in corso al Pirelli HangarBicocca di Milano fino al 21 febbraio 2027, che riporta al centro dell’attenzione il ruolo di Fabro nella ridefinizione del linguaggio scultoreo del secondo Novecento.

Il punto di partenza è apparentemente semplice: la sagoma dell’Italia, riconoscibile da chiunque, indipendentemente dall’appartenenza geografica o culturale. Una forma che possiede una straordinaria capacità evocativa, sedimentata attraverso secoli di rappresentazioni cartografiche, letterarie e artistiche. Fabro se ne appropria alla fine degli anni Sessanta e comincia a sottoporla a continue trasformazioni, modificandone materiali, orientamento, peso, consistenza e rapporto con lo spazio. La penisola può essere rovesciata, appesa, duplicata o deformata, assumendo ogni volta un significato differente. È un procedimento che appartiene profondamente alla sua concezione della scultura, fondata sulla relazione tra materia, forma e percezione, ma che introduce anche una riflessione sull’identità nazionale. L’Italia diventa un corpo riconoscibile e instabile, un’immagine collettiva che cambia significato a seconda delle condizioni nelle quali viene osservata. La ripetizione della medesima sagoma non produce mai un risultato identico: ogni versione costituisce una nuova interpretazione di un Paese la cui unità geografica convive con una storia di divisioni, appartenenze locali, disuguaglianze economiche e stratificazioni culturali. È proprio questa tensione tra permanenza della forma e mobilità dei significati a costituire uno degli aspetti centrali della ricerca di Fabro.

La scelta dei materiali contribuisce in maniera determinante alla costruzione di questo repertorio. Bronzo e oro, tradizionalmente associati alla preziosità e alla permanenza, convivono con tessuti, vetro, ferro e materiali ordinari, introducendo differenti interpretazioni dell’immagine nazionale. In «Italia d’oro», concepita nel 1968 e realizzata nel 1971, la penisola in bronzo dorato è sospesa a un cavo d’acciaio, trasformando un’immagine di ricchezza e prestigio in una forma instabile, sottratta a qualsiasi funzione celebrativa. In «Speculum Italiae» (1971), la sagoma si fa superficie specchiante, attraversata da fasce di piombo, e coinvolge direttamente lo spettatore nella costruzione dell’immagine. Ancora più esplicita è l’ambiguità di «Italia all’asta» (1994), nella quale due profili della penisola, uno diritto e uno capovolto, vengono attraversati da un'asta metallica. Il titolo allude contemporaneamente al sostegno fisico dell’opera e alla possibilità di mettere in vendita il Paese, richiamando le trasformazioni economiche e politiche dell’Italia degli anni Novanta e il rapporto sempre più problematico tra patrimonio culturale e mercato. Sono lavori nei quali l’ironia assume una funzione critica, senza esaurirsi nella satira politica: Fabro utilizza l’immagine dell’Italia come un dispositivo attraverso il quale misurare le possibilità della scultura e mettere in discussione il significato delle rappresentazioni collettive.

Giacinto Di Pietrantonio ricostruisce questo processo attraverso una lettura che amplia i riferimenti del ciclo, riconoscendo nelle «Italie» un repertorio di immagini, memorie e contraddizioni che attraversano la cultura nazionale. Il percorso coinvolge Dante e Petrarca, san Francesco e Mantegna, fino a Pier Paolo Pasolini e ad alcuni protagonisti dell’arte contemporanea, tra cui Enzo Cucchi, Maurizio Cattelan, Gaetano Pesce e Claire Fontaine. Ne emerge una geografia culturale nella quale l’identità italiana precede ampiamente la formazione dello Stato unitario e continua a essere oggetto di interpretazioni divergenti. Il Belpaese celebrato dalla tradizione letteraria convive con quello delle fratture sociali, delle trasformazioni politiche e delle contraddizioni economiche; la bellezza del patrimonio artistico si confronta con le difficoltà della sua conservazione e con i processi di mercificazione che ne modificano il valore. Il libro affronta così una questione più ampia della semplice rappresentazione dell’Italia nell’arte contemporanea: la possibilità stessa di costruire un’immagine nazionale che tenga conto delle differenze e delle tensioni storiche che la attraversano. Le opere di Fabro diventano uno strumento per interrogare quella distanza tra l’idea di Paese, consolidata attraverso secoli di cultura figurativa, e la sua esperienza concreta.

La lettura proposta da Di Pietrantonio si inserisce in un percorso critico sviluppato attraverso decenni di attività nel sistema dell’arte contemporanea. Già direttore della GAMeC di Bergamo dal 2000 al 2017, curatore di numerose esposizioni e docente di Storia dell’arte contemporanea all’Accademia di Brera, lo studioso ha dedicato una parte importante della propria ricerca alla cultura artistica italiana del secondo Novecento, seguendone le trasformazioni e il confronto con il panorama internazionale. Nel caso di Fabro, l’interesse si concentra sulla capacità delle opere di generare significati attraverso la continua rielaborazione di una forma riconoscibile. La scultura diventa una pratica intellettuale nella quale il materiale, il procedimento e il rapporto con lo spazio partecipano alla costruzione del senso. È una prospettiva che permette anche di considerare la posizione particolare di Fabro all’interno dell’Arte Povera, movimento al quale viene generalmente associato ma rispetto al quale ha sempre conservato una marcata autonomia teorica e linguistica. L’artista non ha mai rinunciato alla relazione con la tradizione classica, alla qualità formale, all’artigianato e alla conoscenza delle tecniche, elaborando un’idea di scultura nella quale la sperimentazione contemporanea si confronta costantemente con la storia dell’arte. Il ritorno dell’attenzione su Fabro assume un rilievo particolare nel contesto della retrospettiva milanese «Abitare lo spazio», curata da Fiammetta Griccioli, Roberta Tenconi e Vicente Todolí, con la collaborazione di Silvia Fabro dell’Archivio Luciano e Carla Fabro. La mostra, prima grande retrospettiva museale dedicata all’artista in Italia dopo la sua scomparsa, riunisce circa cinquanta opere tra sculture, installazioni e ambienti, ripercorrendo oltre quarant’anni di ricerca. Dalle prime sperimentazioni con specchi e superfici trasparenti fino alle strutture ambientali più complesse, il percorso restituisce la centralità dello spazio e dell’esperienza fisica dello spettatore. Le «Italie» costituiscono un capitolo particolare di questa indagine, perché trasformano la geografia stessa in materia scultorea. La forma della penisola, riconoscibile e apparentemente immutabile, viene sottoposta a un processo di continua reinvenzione che ne modifica il rapporto con la gravità, la verticalità e l’equilibrio. Il confronto tra il volume di Di Pietrantonio e la retrospettiva consente quindi di osservare da due prospettive complementari la ricerca di Fabro: da una parte la storia culturale e politica di una forma, dall’altra il suo ruolo nella costruzione di un linguaggio scultoreo fondato sull’esperienza dello spazio.

Il titolo «Rivolta Italia» condensa efficacemente l’ambiguità che attraversa l’intero ciclo. L’Italia è rivoltata, capovolta, sottoposta a una trasformazione materiale che ne mette in discussione l’orientamento consueto; ma la parola richiama anche la possibilità di una ribellione, di una contestazione delle immagini e delle narrazioni attraverso le quali il Paese ha costruito la propria identità. È in questa duplice dimensione che le quarantacinque sculture conservano una particolare attualità. Fabro non propone un’immagine definitiva della nazione, né una sua rappresentazione univocamente politica. Utilizza una forma familiare per rendere visibili le contraddizioni che la abitano, facendo emergere ogni volta un’Italia differente. A quasi vent’anni dalla morte dell’artista, il libro di Di Pietrantonio invita a rileggere questo ciclo come un lungo esercizio di interpretazione del Paese, nel quale il patrimonio della storia dell’arte, la qualità dei materiali e la libertà della sperimentazione diventano strumenti per interrogare il significato stesso dell’identità nazionale.