La copertura lignea della Basilica Palladiana venne distrutta dai bombardamenti del 18 marzo 1945, negli ultimi mesi della Seconda guerra mondiale. Ottantuno anni dopo, lo stesso edificio ospita una mostra dedicata alle relazioni artistiche tra Italia e Germania, due Paesi la cui storia ha attraversato alcune delle più profonde fratture politiche e culturali del Novecento. È anche da questa coincidenza storica che prende significato «Italia Germania. Pittura e scultura tra Ottocento e Novecento. Da Canova a Kiefer», inaugurata il 13 novembre 2026 dal Presidente della Repubblica Sergio Mattarella e aperta al pubblico dal 14 novembre al 2 maggio 2027. Curata da Gabriella Belli e Valerio Terraroli, l'esposizione riunisce 168 opere provenienti da oltre sessanta musei, istituzioni e collezioni private, attraversando due secoli di scambi tra artisti, intellettuali e movimenti culturali. È il primo capitolo di «Ispirazione Europa. Dialoghi d'arte tra il XIX e il XX secolo», una trilogia che proseguirà a Vicenza nel 2027 con il rapporto tra Italia e Francia e nel 2028 con quello tra Italia e Spagna. Un progetto che colloca la storia dell'arte al centro di una riflessione sull'identità culturale europea, in una fase nella quale il continente torna a confrontarsi con guerre, tensioni geopolitiche e spinte nazionalistiche.

Dopo avere visitato la mostra in Basilica Palladiana, accompagnato dai curatori, Mattarella è intervenuto al Teatro Olimpico, alla presenza del sindaco di Vicenza Giacomo Possamai, del presidente della Regione del Veneto Alberto Stefani e dell'ambasciatore tedesco in Italia Thomas Bagger. Il Capo dello Stato ha richiamato il rapporto tra le tradizioni culturali dei due Paesi e la costruzione dell'Europa contemporanea, sottolineando come la scelta dell'integrazione politica, maturata dopo le tragedie del secondo conflitto mondiale, abbia trovato un fondamento in relazioni intellettuali e artistiche sviluppatesi attraverso i secoli. «La mostra, non a caso, parte con un'immagine di Goethe», ha osservato il Presidente, riconoscendo nello scrittore tedesco uno dei simboli più autorevoli di questo legame. L'integrazione europea, ha ricordato, si alimenta anche attraverso la cultura e l'arte, che hanno continuato a produrre relazioni tra i popoli nonostante le violente contrapposizioni della storia. Un significato ripreso da Possamai, che ha definito la decisione di dedicare tre grandi mostre ai rapporti culturali dell'Italia con Germania, Francia e Spagna una scelta «prima che culturale, profondamente politica». Il riferimento alla distruzione della Basilica durante la guerra diventa così parte di una riflessione sulla capacità dell'Europa di costruire istituzioni e forme di convivenza a partire da un patrimonio storico condiviso.

La mostra prende avvio dal viaggio in Italia compiuto da Johann Wolfgang von Goethe tra il 1786 e il 1788, esperienza destinata a incidere profondamente sulla cultura tedesca e sulla percezione dell'Italia come luogo privilegiato della formazione artistica e intellettuale. Il confronto con l'antichità, con il Rinascimento e con la tradizione classica alimenta tra la fine del Settecento e l'inizio dell'Ottocento nuove interpretazioni della pittura e della scultura. È in questo contesto che si sviluppano le ricerche dei Nazareni, il gruppo di artisti tedeschi attivi a Roma, tra i quali Friedrich Overbeck, Franz Pforr e Peter von Cornelius, interessati al recupero di una pittura fondata su valori morali e religiosi e sui modelli del Quattrocento italiano. Il percorso affronta anche il confronto tra il classicismo di Antonio Canova e quello dello scultore danese Bertel Thorvaldsen, entrambi protagonisti della Roma internazionale dei primi decenni dell'Ottocento. Sul finire del secolo, il dialogo assume nuove forme attraverso il Simbolismo e le Secessioni, mentre le suggestioni di Arnold Böcklin, Max Klinger e Franz von Stuck contribuiscono alla formazione dell'immaginario di Giorgio de Chirico. La modernità europea emerge così da una successione di incontri, appropriazioni e trasformazioni, nella quale le appartenenze nazionali rappresentano un punto di partenza, senza esaurire la complessità delle relazioni artistiche. Il Novecento occupa la parte più articolata dell'esposizione, organizzata in dodici momenti storici che individuano altrettanti passaggi nella costruzione della modernità. Un capitolo centrale è dedicato al confronto tra Futurismo italiano ed Espressionismo tedesco, sviluppatosi attraverso le esposizioni organizzate da Herwarth Walden alla galleria Der Sturm di Berlino nel 1912 e nel 1913. Le ricerche di Umberto Boccioni, Carlo Carrà, Gino Severini e Luigi Russolo entrano in relazione con quelle degli artisti della Brücke e del Blaue Reiter, tra i quali Emil Nolde, Karl Schmidt-Rottluff e Heinrich Campendonk. Le differenti interpretazioni del movimento, del colore e della rappresentazione del mondo moderno contribuiscono a ridefinire il linguaggio pittorico europeo. Dopo la Prima guerra mondiale, il dialogo si sviluppa attraverso il Realismo Magico italiano e la Neue Sachlichkeit tedesca, due esperienze che, pur appartenendo a contesti sociali e politici differenti, condividono una particolare attenzione alla figura, alla precisione della rappresentazione e alla dimensione inquieta della realtà. Le opere di Felice Casorati, Antonio Donghi, Cagnaccio di San Pietro e Ubaldo Oppi vengono accostate a quelle di Otto Dix, George Grosz, Christian Schad e Georg Schrimpf, restituendo le differenti risposte degli artisti alla crisi della società europea tra le due guerre. Tre dipinti vengono presentati per la prima volta in Italia: «Bambino che fa le bolle di sapone» di Heinrich Maria Davringhausen, «Paesaggio in autunno» di Karl Schmidt-Rottluff e «Bambini sulle scale» di Georg Schrimpf, provenienti da musei tedeschi.

Un altro capitolo fondamentale riguarda la diffusione dell'astrazione geometrica e il rapporto tra il Bauhaus e l'ambiente artistico milanese degli anni Trenta. Dopo la chiusura della scuola tedesca nel 1933 per volontà del regime nazista, alcune delle ricerche sviluppate attorno a Vasilij Kandinskij, Josef Albers e Willi Baumeister continuano a circolare in Europa, trovando interlocutori anche nella scena italiana. Attorno alla Galleria Il Milione si sviluppa una generazione di artisti, da Mauro Reggiani a Mario Radice, da Luigi Veronesi a Fausto Melotti e Lucio Fontana, impegnati nella definizione di nuovi linguaggi attraverso la linea, il colore e la struttura geometrica. La mostra affronta questo passaggio attraverso una prospettiva che lega direttamente le trasformazioni formali al contesto politico del tempo. La progressiva affermazione dei regimi totalitari, la censura delle avanguardie e la persecuzione delle ricerche considerate incompatibili con l'ideologia ufficiale modificano profondamente la circolazione degli artisti e delle idee. Il confronto tra Italia e Germania assume quindi anche il carattere di una storia delle fratture, delle limitazioni e delle strategie attraverso le quali la produzione culturale cercò di mantenere spazi di autonomia.

Il secondo dopoguerra introduce un nuovo quadro di relazioni, segnato dalla necessità di ricostruire il dialogo culturale dopo la catastrofe dei totalitarismi. Tra gli episodi richiamati figura la mostra «Pittori tedeschi e italiani contemporanei», organizzata nel 1958 alla Galleria Nazionale d'Arte Moderna di Roma e successivamente presentata a Leverkusen, con opere di Alberto Burri, Piero Dorazio, Giuseppe Santomaso, Tancredi Parmeggiani, Ernst Wilhelm Nay e Fritz Winter, tra gli altri. Il percorso arriva quindi alle esperienze di ZERO, fondato a Düsseldorf da Heinz Mack e Otto Piene, ai quali si unì Günther Uecker, e di Azimuth, il progetto sviluppato a Milano attorno a Piero Manzoni ed Enrico Castellani, con la partecipazione di artisti come Agostino Bonalumi e Nanda Vigo e il riferimento fondamentale della ricerca spazialista di Fontana. Superfici monocrome, luce, movimento e nuovi materiali diventano gli strumenti attraverso i quali una generazione di artisti tenta di ripensare radicalmente il linguaggio dell'opera. Il confronto prosegue con Joseph Beuys, il cui rapporto con l'Italia attraversa la riflessione sulla scultura sociale, sull'ecologia e sulla trasformazione della società, in relazione anche alle ricerche dell'Arte Povera. La stagione successiva vede infine il ritorno alla pittura, con il confronto tra la Transavanguardia italiana e le esperienze neo-espressioniste tedesche, da Georg Baselitz e Markus Lüpertz fino ai Neue Wilden.

Il percorso si conclude con una sezione dedicata alla memoria storica e alla responsabilità culturale dell'arte, affidata ad alcune delle figure più significative del secondo Novecento. Tra le opere centrali figurano «Chi brucia un libro brucia un uomo» (1993) di Emilio Vedova e «If I die, leave the balcony open» (2021-2025) di Anselm Kiefer, ispirata ai versi di Federico García Lorca. In questo confronto, al quale partecipa anche la ricerca di Georg Baselitz, la pittura torna a interrogare le ferite della storia europea, il rapporto tra memoria e distruzione e la possibilità di elaborare attraverso le immagini un'esperienza collettiva del passato. È una conclusione significativa per una mostra che si apre con il viaggio di Goethe, quando la relazione tra Italia e Germania apparteneva soprattutto alla formazione culturale delle élite europee, e si chiude con artisti per i quali il confronto con la storia assume il carattere di una responsabilità morale. Tra questi due estremi si collocano guerre, rivoluzioni artistiche, processi di integrazione e trasformazioni sociali che hanno progressivamente modificato l'idea stessa di Europa.

Promossa dalla Città di Vicenza insieme ai Musei Civici, al Centro Internazionale di Studi di Architettura Andrea Palladio e alla Fondazione Teatro Comunale Città di Vicenza, la trilogia è realizzata con Marsilio Arte, con il sostegno di Intesa Sanpaolo come main partner. Il progetto coinvolge numerose istituzioni italiane e internazionali, tra cui il Mart di Rovereto, il Museo Gypsotheca Antonio Canova di Possagno, la Casa di Goethe di Roma, le Gallerie degli Uffizi, il Museo Nacional Thyssen-Bornemisza di Madrid, le collezioni statali d'arte di Dresda e Monaco di Baviera e importanti musei tedeschi. Le Gallerie d'Italia partecipano attraverso prestiti dalle proprie raccolte e un capitolo fondamentale ospitata a Palazzo Leoni Montanari. La mostra è accompagnata da un catalogo pubblicato da Marsilio Arte, con contributi dei curatori e di studiosi italiani e internazionali. La presenza di una rete tanto articolata di musei, fondazioni e collezioni private costituisce uno degli elementi centrali dell'operazione, che affida a una città di dimensioni intermedie un programma espositivo di respiro internazionale e destinato a svilupparsi nell'arco di tre anni.

Il significato di «Ispirazione Europa» si colloca proprio nell'incontro tra ricerca storico-artistica e riflessione sulla costruzione dell'identità continentale. La storia delle relazioni tra Italia e Germania non può essere ricondotta a una successione lineare di influenze e collaborazioni: comprende anche conflitti, rivalità, appropriazioni e profonde divergenze culturali. Il progetto curato da Belli e Terraroli attraversa questa complessità, mostrando come i linguaggi artistici si siano trasformati attraverso incontri avvenuti talvolta in condizioni politiche e sociali estremamente difficili. La presenza di Sergio Mattarella all'inaugurazione attribuisce a questa lettura una dimensione istituzionale precisa, richiamando il ruolo della cultura nella formazione di una coscienza europea condivisa. Le prossime tappe, dedicate alla Francia e alla Spagna, permetteranno di allargare il confronto ad altre tradizioni e ad altre storie di relazione con l'Italia. Per Vicenza comincia così un percorso triennale che utilizza la storia dell'arte come strumento per interrogare le radici culturali dell'Europa e le condizioni della sua convivenza presente.