Tre montagne costruite attraverso grandi campiture cromatiche, simili a mantelli cuciti insieme, si dispongono lungo una tela di oltre quattro metri. È «Três Montanhas Em Homenagem Aos Meus Irmãos Colombianos» (1973) di Luísa Correia Pereira, artista portoghese scomparsa nel 2009, una delle figure attorno alle quali prende forma «Dreamwork: Ancestors Echo in the House of Tomorrow», la grande mostra che il Museo Helga de Alvear di Cáceres, in Spagna, presenta dall’11 dicembre 2026 al 23 maggio 2027. Curato da Omar Kholeif, il progetto riunisce oltre 150 opere di più di sessanta artisti appartenenti a generazioni, geografie e tradizioni culturali differenti, costruendo un percorso che attraversa la storia dell’arte moderna e contemporanea attraverso le relazioni tra memoria, identità e immaginazione. Da Louise Bourgeois a Etel Adnan, da Marlene Dumas a Gerhard Richter, da Simone Fattal a Lubaina Himid, fino a ricerche meno conosciute nel panorama museale europeo, l’esposizione mette in discussione le gerarchie attraverso le quali è stata raccontata la modernità artistica, restituendo visibilità a genealogie culturali spesso rimaste ai margini delle grandi narrazioni occidentali. Il progetto, concepito per il sesto anniversario del museo, inaugura inoltre un percorso internazionale che proseguirà nel 2027 alla Glasgow School of Art e nel 2028 al MAAT di Lisbona.

Il titolo, «Dreamwork», richiama il lavoro del sogno come processo attraverso il quale immagini, esperienze e ricordi vengono trasformati e ricomposti. Una metafora che Kholeif, curatore, storico dell’arte e docente di Global Modern and Contemporary Art History alla Glasgow School of Art, utilizza per interrogare la capacità dell’arte di costruire relazioni tra epoche e culture lontane. Il progetto nasce da oltre vent’anni di ricerca sulle forme della modernità globale e sulla necessità di riconsiderare le categorie che hanno determinato l’inclusione o l’esclusione degli artisti dalla storia dell’arte. La mostra rinuncia a una successione cronologica e si sviluppa attraverso quattro nuclei tematici, «Dreaming», «Re-Dreaming», «Breathing» e «Beloved», quest’ultimo ispirato alla scrittura di Toni Morrison. Il percorso è costruito secondo il principio di una costellazione, nella quale opere provenienti da collezioni internazionali, nuove commissioni e lavori appartenenti al museo entrano in relazione attraverso affinità formali, memorie condivise e differenti esperienze culturali. Al centro si trova il concetto di Emotional Materialism, elaborato da Kholeif per descrivere una modalità di conoscenza dell’opera che coinvolge contemporaneamente percezione, esperienza fisica e riflessione. Il museo viene così concepito come un luogo nel quale la storia dell’arte può essere continuamente ricomposta attraverso le relazioni tra gli oggetti e le esperienze di chi li osserva.

Uno dei riferimenti intellettuali della mostra è Grace Pailthorpe (1883-1971), artista surrealista e chirurga britannica che riconosceva nell’impulso creativo una necessità fondamentale dell’esperienza umana. La sua idea di una scintilla creativa presente in ogni individuo costituisce il punto di partenza per una riflessione sul ruolo sociale dell’immaginazione, particolarmente significativa in un momento storico attraversato da conflitti, polarizzazioni e ridefinizioni delle identità culturali. Kholeif propone di considerare la produzione artistica come una forma di conoscenza capace di attraversare le differenze, recuperare memorie e rendere visibili esperienze che i grandi sistemi di classificazione della storia hanno frequentemente trascurato. Questa prospettiva introduce anche una questione propriamente museologica: come costruire una storia dell’arte internazionale che tenga conto della pluralità delle tradizioni moderne senza ricondurle a un unico modello interpretativo? «Dreamwork» cerca una risposta attraverso il confronto diretto tra le opere, affidando alla costruzione delle relazioni espositive il compito di individuare connessioni che le appartenenze geografiche e le categorie stilistiche tendono spesso a separare.

Tra i nuclei più significativi figura la presentazione dedicata a Luísa Correia Pereira (1945-2009), protagonista di una delle più ampie ricognizioni museali mai realizzate sulla sua produzione. Le sue composizioni pittoriche, costruite attraverso campiture di colore, forme geometriche e riferimenti al paesaggio, trasformano montagne e territori in immagini nelle quali la memoria geografica assume una dimensione insieme personale e collettiva. Il recupero della sua opera si inserisce in un processo più ampio di revisione delle genealogie del modernismo, che negli ultimi anni ha progressivamente riportato l’attenzione su figure femminili e su esperienze artistiche rimaste marginali rispetto ai principali centri di legittimazione internazionale. A questa ricerca sarà dedicato anche il volume «Luísa Correia Pereira: World Child», scritto da Kholeif e pubblicato da Sternberg Press nel gennaio 2027. Frutto di cinque anni di studi, sarà la prima monografia di ampio respiro in lingua inglese dedicata all’artista, con una prefazione della filosofa Maria Filomena Molder e contributi di Sarah Perks. Il libro costituisce l’ultimo capitolo della serie editoriale «imagine/otherwise», sviluppata dal curatore attorno alle pratiche artistiche femminili e alla costruzione di mondi alternativi attraverso l’immaginazione.

Un altro confronto centrale è quello tra Simone Fattal ed Etel Adnan, due artiste le cui ricerche hanno attraversato differenti geografie culturali, dal Medio Oriente all’Europa e agli Stati Uniti. Fattal presenta dipinti, acquerelli, disegni e collage, alcuni dei quali raramente esposti, in dialogo con opere di Adnan conservate nella collezione Helga de Alvear. Tra i lavori figura «La Montagne, Liban» (1973), realizzato in collaborazione dalle due artiste e concesso in prestito dalla Barjeel Art Foundation di Sharjah. L’accostamento permette di osservare come il paesaggio, la memoria e l’esperienza dello spostamento assumano forme differenti all’interno di ricerche che condividono un rapporto profondo con la storia culturale del Mediterraneo orientale. È un esempio della metodologia adottata da Kholeif, che privilegia le relazioni intellettuali, affettive e materiali tra gli artisti rispetto a una classificazione fondata esclusivamente sull’appartenenza a movimenti o scuole.

La mostra dedica particolare attenzione anche a figure che hanno ricevuto una visibilità museale discontinua. Irene Scheinmann (1933-2023), artista britannica di origini ebraico-irachene, è protagonista della sua prima importante presentazione museale europea, con un dipinto proveniente dall’eredità dell’artista e un gruppo di incisioni realizzate tra il 1983 e il 1989. La pittrice ugandese Theresa Musoke è rappresentata da opere che attraversano un quarto di secolo di produzione, da «Woman Seated in Blue», realizzato intorno al 1980, a «Wild Dogs with a Kill» del 2005. La sua pittura, caratterizzata da un linguaggio semiastratto, viene inserita in un confronto internazionale che ne valorizza l’autonomia formale e la capacità di costruire un immaginario personale. Accanto a queste ricerche compaiono le opere dell’artista scozzese Carole Gibbons, i cui dipinti di matrice folklorica vengono messi in relazione con gli acquerelli surrealisti di Pailthorpe, e quelle dell’indiana Lalitha Lajmi (1931-2023), che ha sviluppato un percorso pittorico segnato dall’autorappresentazione e dall’esplorazione delle dimensioni psicologiche dell’identità.

Il carattere internazionale del progetto emerge anche attraverso la compresenza di artisti che hanno lavorato a partire da tradizioni figurative e sistemi culturali profondamente differenti. Dalle opere di Emily Kame Kngwarreye e Robyn Kahukiwa alle ricerche di Ibrahim El Salahi, Fahrelnissa Zeid, Bertina Lopes, Khadiga Riad e Rafik Sharaf, la mostra attraversa le esperienze artistiche dell’Australia, dell’Africa e del Medio Oriente, inserendole in una rete di confronti con autori europei e americani. Tra questi figurano Antoni Tàpies, Morris Louis, Victor Vasarely, Sean Scully, Stanley Whitney, Laura Owens, Luc Tuymans e Gerhard Richter. La presenza di nomi largamente riconosciuti accanto a figure meno rappresentate nelle istituzioni occidentali costituisce uno degli aspetti più delicati dell’operazione curatoriale: la possibilità di ampliare il canone dipende infatti dalla capacità di costruire confronti che riconoscano alle differenti ricerche pari autonomia, evitando che il prestigio degli artisti già affermati determini nuovamente la gerarchia delle opere. In questa prospettiva, il progetto si presenta come un’indagine aperta, nella quale il significato delle singole presenze deriva anche dalle relazioni che si stabiliscono tra di esse.

Il percorso comprende inoltre lavori che interrogano il rapporto tra rappresentazione e identità attraverso linguaggi differenti. Hany Armanious, artista egiziano-australiano, presenta sculture realizzate mediante fusioni in resina poliuretanica pigmentata, mentre Nicky Coutts sviluppa un intervento che restituisce voce alla gorilla Koko attraverso il linguaggio dei segni, accompagnato da nuovi disegni. Ranjana Thapalyal attinge a tradizioni filosofiche dell’India e dell’Africa orientale per costruire immagini luminose nelle quali il paesaggio assume il carattere di una soglia simbolica. Jai Chuhan affronta invece le stratificazioni dell’esperienza diasporica attraverso una pittura caratterizzata da figure e ambienti instabili, mentre Sean Scully presenta per l’occasione un nuovo gruppo di opere astratte e figurative. Sono ricerche che ampliano ulteriormente il campo dell’esposizione, ponendo l’accento sulla capacità delle immagini di produrre relazioni tra memoria individuale, storia collettiva e costruzione dell’immaginario.

La mostra assume un significato particolare anche per il Museo Helga de Alvear, istituzione nata per accogliere una delle maggiori collezioni private europee di arte contemporanea internazionale. Costruita nell’arco di sessant’anni dalla gallerista e collezionista Helga de Alvear (1936-2025), la raccolta comprende opere di oltre seicento artisti provenienti dai cinque continenti, da Thomas Hirschhorn a Olafur Eliasson, da Georg Baselitz a Walid Raad, da Carmen Herrera a Gabriel Orozco e Isaac Julien. Sotto la direzione di Sandra Guimarães, in carica dal 2023, il museo ha progressivamente sviluppato un programma espositivo che affianca alla valorizzazione della collezione progetti di ricerca, nuove produzioni e collaborazioni internazionali. La posizione geografica di Cáceres, in Estremadura, lontana dalle principali capitali europee del mercato e delle istituzioni artistiche, rende particolarmente significativo questo percorso. La possibilità di costruire programmi di respiro internazionale a partire da un museo nato da una raccolta privata costituisce infatti una delle trasformazioni più rilevanti del sistema museale contemporaneo, nel quale il collezionismo può assumere una funzione pubblica attraverso la ricerca, l’accessibilità e la continuità delle attività culturali.

«Dreamwork» è concepita come un progetto destinato a trasformarsi nel corso della propria circolazione. Dopo Cáceres, una nuova versione site-specific sarà presentata dal 26 giugno al 28 agosto 2027 nelle Reid e Garnethill Galleries della Glasgow School of Art, attraverso opere, commissioni e interventi sviluppati in relazione agli spazi storici dell’istituzione scozzese. Il percorso raggiungerà quindi il MAAT-Museum of Art, Architecture and Technology di Lisbona nell’ottobre 2028, con una versione ampliata da ulteriori prestiti e opere appartenenti alla collezione portoghese. A queste tappe si affiancherà un programma di letture, incontri con gli artisti, attività pubbliche e workshop, insieme a una pubblicazione illustrata dedicata alla ricerca curatoriale. Il progetto sarà accompagnato anche dalle attività della «Society of Dreamworkers», gruppo itinerante di lettura e confronto che proseguirà durante le differenti presentazioni.

La dimensione itinerante assume così un ruolo centrale nella costruzione della mostra. Ogni sede offrirà condizioni differenti per rileggere le opere, ampliando il numero delle relazioni possibili e mettendo alla prova la struttura curatoriale iniziale. È una concezione dell’esposizione come processo, nella quale la storia dell’arte viene continuamente riaperta attraverso nuove interpretazioni e confronti. Per il Museo Helga de Alvear, il progetto rappresenta anche un’occasione per rafforzare la propria posizione all’interno delle reti museali internazionali, valorizzando la capacità delle collezioni private di contribuire alla produzione di conoscenza pubblica. La questione che attraversa «Dreamwork» riguarda in fondo il modo stesso in cui le istituzioni scelgono quali storie conservare, quali artisti rendere visibili e quali relazioni costruire tra esperienze culturali differenti. Il museo diventa così il luogo nel quale le genealogie della modernità possono essere riconsiderate, riconoscendo alle opere la possibilità di raccontare storie che il canone storico-artistico ha lasciato a lungo incomplete.