Qualcuno, in fondo in fondo, tra gli espositori e gli addetti ai lavori di Paris Photo lo spera. E cioè che tornino i disordini e le cariche della polizia che costringano la fiera a chiudere anticipatamente. È successo l’altra settimana ai cugini di Art Basel Paris e darebbe alla fiera un tocco très chic.

Si dice, poi, ma probabilmente è una leggenda, che qualche anno fa Larry Gagosian sia venuto a Paris Photo con il cappello e i baffi finti per non farsi riconoscere nel tentativo di capire, di nascosto, chi fossero questi poveri che collezionano fotografia. A proposito, nonostante Joshua Chuang, direttore del dipartimento di fotografia della mega galleria globale, sieda nel comitato di selezione degli espositori, per il secondo anno consecutivo Gagosian non se l’è sentita di partecipare. Un motivo ci sarà.

Rassicuriamo, poi, gli appassionati dell’italianità: quest’anno il nostro paese è rappresentato come mai prima. Non solo l’Italia è il quarto paese per gallerie presenti, ma due dei tre curatori invitati sono Francesco Zanot per il «Secteur Voices» e Marco De Mutiis per il «Secteur Digital». Italiani Doc. Per non parlare del fatto che la grande immagine che accoglie i visitatori della fiera fuori dal Grand Palais è di Silvia Rosi. Un po’ come entrare in chiesa e sentire, anziché l’odore d’incenso, il profumo del sugo della nonna (o di bagna càuda, vista la salita così compatta e decisa degli amici torinesi).

Per il resto: è inutile cercare tendenze artistiche o di mercato (inventeremmo di sana pianta), così, per raccontare la fiera, meglio giocare ad assegnare gli Oscar. Un gioco divertente, che può essere l’occasione anche di dire qualcosa di serio.

La trovata della grande parete d’entrata, quest’anno dedicata a Thomas Ruff, lo dicevamo già l’anno scorso, è diventata ormai un’abitudine e suscita meno meraviglia che in passato. A questo giro, la sorpresa è stata la quantità di pubblico già dal primo giorno, quello dedicato alla cosiddetta «anteprima Vip». Sono arrivato un po’ in ritardo martedì, verso le 12 (per chi aveva un pass come il mio, le porte del Grand Palais aprivano alle 11) e mi sono messo in coda. Dieci minuti buoni. Una volta entrati, avevamo l’impressione che ci fosse la ressa del weekend. Wow, quanti Vip a Paris Photo!

L’Oscar al miglior stand della fiera va alla Galleria Large Glass di Londra. Per l’edizione dedicata al bicentenario dell’invenzione della fotografia, Charlotte Schepke presenta il progetto «Echos», che mette in relazione gli artisti della sua galleria con figure storiche della fotografia: gli «interni mossi» di Mario Cresci accostati a un ritratto di Duane Michals, i neri nerissimi berlinesi di John Gossage accostati a una notte parigina di Brassaï, le immagini senza tempo di Ursula Schulz-Dornburg dei templi in Myanmar vicine ai sontuosi alberi di Mark Ruwedel, a loro volta in dialogo con un alberello in una stampa ottocentesca di Carleton E. Watkins. Il pezzo forte, però, è un altro: lo strano triangolo, fatto di affinità elettive, che ha avuto luogo a Luzzara tra Paul Strand, Stephen Shore e Guido Guidi. Tra l’altro: se guardate bene nel ritratto che Guidi fa a Shore, il fotografo americano regge un block notes in cui c’è indirizzo e numero di telefono del maestro di Ronta. Contattato direttamente dall’Academy (cioè me), il diretto interessato ha dichiarato che il numero non è più valido.

Nel ballatoio del Gran Palais, si trova il «Secteur Emergence» che, secondo il sito di Paris Photo «presenta una nuova generazione di artisti e gallerie le cui ricerche rinnovano le forme e gli usi della fotografia contemporanea». Non mi è chiaro che cosa abbia di emergente la Galeria Reus di Mallorca, fondata nel 2003, e Ricardo Cases, geniale fotografo spagnolo classe 1971. Di fatto, l’Oscar per questa categoria va a loro. Con «El Carpinero» (2026), Ricardo Cases osserva un falegname valenciano nei suoi momenti di riposo, quando il tempo sembra sottrarsi al lavoro e diventare contemplazione. Un lavoro bellissimo, soprattutto per chi (come noi dell’Academy) ama fare ciò che gli spagnoli chiamano siesta.

L’editore di Lipsia Spector Boooks ha fatto incetta di nomination al Paris Photo-Aperture PhotoBook Awards. Nella shortlist è presente con tre titoli, su 35 volumi selezionati. L’unico a fargli concorrenza è Editorial RM, con due pubblicazioni e una co-pubblicazione. If a Flower Bloomed in a Dark Room, Would You Trust It? di Jakob Ganslmeier e Ana Zibelnik, in corsa per il First PhotoBook, che segue le derive online generate da due trend social legati al self-improvement (fitness e spiritualità) tracciando come la retorica visiva dell’estrema destra si infiltri in quei linguaggi apparentemente innocui per veicolare messaggi d’odio. A Kind of Paradise: Artistic Counter-Narratives to Colonial-Era Photography di Nanina Guyer, nella categoria Photography Catalog of the Year, propone un contro-racconto artistico che si confronta criticamente con l’eredità della fotografia coloniale; L Is for Look: Children's Photobooks di Anne Lacoste e Rose Durr, anch’esso tra i cataloghi dell’anno, è invece un lavoro di ricerca storica dedicato ai libri fotografici per l’infanzia. Un libro, quest’ultimo, da regalare a tutti i maestri elementari che conoscete. Ma anche al bambino che è in voi,

Presente nella shortlist del Paris Photo-Aperture PhotoBook Awards, This is not my cat di Takashi Homma è il miglior libro visto in fiera. Co-pubblicato da Nieves (Zurigo) e Perimeter Editions (Melbourne), con il design di Benjamin Sommerhalder, il piccolo volume mostra, a dispetto del titolo che fa il verso a Duchamp, il gatto del grande fotografo giapponese. L’animale, neanche troppo grazioso, fa quel che di solito fa un gatto: niente. Incardinato nella grande tradizione giapponese dei libri dedicati ai gatti (vedi Chiro, My Love di Nobuyoshi Araki e Sasuke di Masahisa Fukase), è un libro completamente non necessario e per ciò quanto mai importante. Nella grande corsa al photobook che ambisce a cambiare il mondo, facendosi carico di ingiustizie presenti e passate, Homma ci ricorda con eleganza e gusto che le sorti del mondo non dipendono dall’ennesimo libro imbronciato.

Qui siamo nel regno incontrastato dell’idiosincrasia. Si tratta dell’immagine che è riuscita, una nel flusso di un milione, a rapire la nostra attenzione. Quella che non riesco a togliermi dalla testa è «Natura Morta con Pappagalli» (2018) di Stefano Graziani. Continuo a ripensarci e non riesco a capire che cosa mi colpisca così tanto. I colori? Certo. La composizione? Perfetta. Il mosso dei due uccelli contrapposto alla nitida fermezza della frutta? Senza dubbio. D’accordo, ma di che cosa parla questa immagine? Che storia racconta? Perché dovrebbe interessarmi? Il problema è che è una fotografia che non parla di nulla, se non di sé stessa. Ciò che accade nel rettangolo di carta è un piccolo miracolo prodotto dalla macchina fotografica. Lo stesso tipo di miracolo che accade dentro un quadro di Cezanne e che è in grado di muovere qualcosa dentro di noi. Qualcosa che assomiglia alla commozione. E allora, se proprio questa fotografia deve parlare di qualcosa, parla proprio di questo: la nostra capacità (se c’è ancora) di commuoverci di fronte a ciò a cui non sappiamo dare un nome.