Nel 1983 Ruth e Theodore Baum vendettero la loro collezione di opere impressioniste e moderne su carta per comprare un solo dipinto. Scelsero un Untitled di Mark Rothko del 1967, rosso e arancio, anch’esso dipinto su carta. Lo appesero all’ingresso della casa nel New Jersey, dove lo avrebbero visto ogni volta che uscivano o rientravano. Pochi anni prima, a un’asta di beneficenza, Ruth aveva comprato un disegno di John Sloan. Con il Rothko pensavano di aver trovato il quadro con cui vivere per il resto dei loro giorni. Tre anni dopo acquistarono a New York, da Xavier Fourcade, la grande tela che Joan Mitchell aveva intitolato all’amica poetessa Barbara Guest. A novembre, dopo quarant’anni in casa Baum, il dipinto arriva per la prima volta all’asta, con una stima di 12-18 milioni di dollari. Per il Rothko la previsione è di 10-15 milioni.

Londra fu decisiva per la parte italiana della raccolta. Alle Italian Sales di Sotheby’s i Baum comprarono nel 2000 il Concetto spaziale, Attese rosso di Lucio Fontana e nel 2005 GA1, un sacco di Alberto Burri del 1954. Claudia Dwek, oggi Chairman, Contemporary Art, Europe di Sotheby’s, aveva organizzato la prima Italian Sale della casa. Di quegli incontri con i Baum ricorda le domande che facevano prima di comprare, l’intuito di Ruth e l’abitudine di Ted di confrontare formati, date e prezzi. Il 16 novembre i due dipinti italiani tornano sul mercato a New York, stimati ciascuno 4-6 milioni di dollari, fra i 24 lotti della serale dedicata ai Baum. Il 17 seguirà la vendita diurna, con ulteriori appuntamenti fino al 2027.

Come sceglievano, in due, un’opera d’arte? Che cosa ricorda del modo di guardare di Ruth e di quello di Ted?

Ciò che distingueva i Baum era l’equilibrio tra istinto e rigore con cui collezionavano. Ruth era intuitiva, mentre Ted portava un approccio più analitico. Studiava attentamente il mercato, confrontando prezzi, dimensioni e diversi momenti della produzione di un artista. Tra loro c’era un continuo gioco di contrappesi, e credo che proprio quel dialogo abbia contribuito a dare alla collezione gran parte della sua forza e del suo carattere.

Non partirono mai con un programma prestabilito, né collezionarono principalmente con una logica di investimento. Il loro gusto si sviluppò organicamente nell’arco di quasi cinque decenni, da Mark Rothko e dall’Espressionismo Astratto alla Pop Art, al Minimalismo e al Concettuale, fino ad attraversare l’Atlantico e rivolgersi ad artisti europei come Gerhard Richter e al gruppo ZERO.

Il collezionismo era qualcosa che vivevano insieme. Ciò che contava per loro era vivere con le opere, imparare da esse e condividere con altri quell’entusiasmo.

Perché proprio quel Rothko del 1967 rimase il quadro di una vita, anche quando i gusti dei Baum li portarono altrove?

Il Rothko è stato il cuore della collezione, non soltanto perché ne ha segnato l’inizio, ma per il legame personale che i Baum avevano con quell’opera. Quando lo acquistarono nel 1983, pensavano che sarebbe stato l’unico grande dipinto di cui avrebbero mai avuto bisogno. In realtà accadde esattamente il contrario perché fu proprio quel Rothko ad aprire loro un mondo e divenne il catalizzatore di tutto ciò che sarebbe seguito. Lo appesero nell’ingresso della loro casa nel New Jersey, così da poterlo vedere ogni volta che entravano o uscivano. Per Ruth Baum rimase sempre l’opera più amata, al punto di dire che, se la casa avesse preso fuoco, sarebbe stata l’unica cosa che avrebbe salvato.

Da lì, il loro gusto si sviluppò in maniera molto organica. Rothko li condusse verso l’astrazione americana del dopoguerra, con artisti come Joan Mitchell, Sam Francis e Hans Hofmann; negli anni successivi arrivarono alla Pop Art, al Minimalismo e al Concettuale, con Roy Lichtenstein, Tom Wesselmann, Ed Ruscha e Andy Warhol. Infine il loro sguardo attraversò l’Atlantico, verso Lucio Fontana, Piero Manzoni, Yves Klein e gli altri protagonisti dell’avanguardia europea.

Ma non credo abbiano mai collezionato seguendo rigidamente categorie o movimenti. Seguivano piuttosto la propria curiosità: ogni scoperta poteva condurre alla successiva.

Quando i Baum cominciarono a frequentare le aste londinesi di arte italiana, che cosa volevano sapere prima di comprare? Quali affinità vedevano fra Fontana, Burri e Manzoni e gli americani che avevano già in casa?

Il loro interesse per l’arte italiana del dopoguerra si definì soprattutto nei primi anni Duemila, quando i Baum divennero assidui frequentatori delle Italian Art Sales di Sotheby’s a Londra. Ciò che mi colpiva era la serietà e la curiosità, con cui si avvicinavano alle opere. Prima di acquistare volevano comprenderne la provenienza, la storia, la qualità e il posto che occupavano nel percorso dell’artista. Questo approccio li portò verso opere importanti di Lucio Fontana, Alberto Burri e Piero Manzoni.

Ma non considerarono questi artisti come un capitolo esclusivamente “italiano” della collezione. Ciò che li interessava era il dialogo che creavano con gli artisti americani ed europei che già amavano. Vi riconoscevano ricerche parallele: su entrambe le sponde dell’Atlantico, molti artisti stavano mettendo in discussione i confini tradizionali della pittura e sperimentando nuovi modi di concepire la superficie, la materia, lo spazio e il gesto.

Per loro Fontana, Burri e Manzoni facevano parte di una storia più ampia dell’arte del dopoguerra, insieme a Rothko, Mitchell e de Kooning.

I Baum scelsero due Fontana molto diversi, il rosso con quattro tagli del 1960 e il rame Concetto spaziale, New York 5 del 1962. Che cosa rivela il secondo acquisto del loro modo di leggere Fontana? Quanto è cambiata, da allora, la sua fortuna internazionale?

Trovo interessante la presenza di due Fontana molto diversi, ma entrambi fondamentali nella sua ricerca. Il Concetto Spaziale, Attese rosso del 1960, acquistato da Sotheby’s a Londra nel 2000, è uno straordinario esempio dei Tagli, il ciclo con cui Fontana ridefinisce radicalmente il rapporto tra superficie e spazio, ed è forse la più immediata espressione della qualità dell’occhio dei Baum.

Il Metallo, invece, racconta un altro aspetto dei Baum come collezionisti. È una scelta più rara e sofisticata, un’opera che va oltre l’immagine più riconoscibile di Fontana e rivela una conoscenza profonda della sua ricerca. Non cercavano semplicemente “un Fontana”, ma opere capaci di raccontare i momenti più radicali e sperimentali del suo percorso.

Negli ultimi venticinque anni, Fontana ha conosciuto un riconoscimento internazionale sempre più ampio. Ciò che i Baum avevano intuito relativamente presto era proprio questo: Fontana non apparteneva soltanto alla storia dell’arte italiana, ma alla più ampia storia dell’astrazione del Novecento. Per questo poteva dialogare con tanta naturalezza, nella loro collezione, con Rothko o Mitchell. Oggi questa lettura è molto più consolidata e rende le loro scelte ancora più lungimiranti.

Per Burri e Manzoni, quanto si riflette oggi nelle quotazioni il posto che occupano nella storia dell’arte del dopoguerra?

Artisti come Burri e Manzoni occupano ormai una posizione consolidata nella storia dell’arte del dopoguerra. È interessante vedere come, negli ultimi anni, sia cresciuta anche l’attenzione da parte dei collezionisti internazionali, parallelamente a una comprensione sempre più ampia del loro ruolo nella ridefinizione del linguaggio artistico del secondo dopoguerra.

Credo ci sia ancora spazio perché la loro statura sia pienamente riflessa. Parliamo di artisti saldamente inscritti nel canone storico-artistico, ma i cui mercati continuano a svilupparsi, soprattutto quando emergono opere di particolare qualità, con provenienze importanti e significative all’interno della ricerca dell’artista, come nel caso della collezione Baum.

Lei organizzò la prima Italian Sale di Sotheby’s. Che cosa cambiarono quelle aste londinesi per la ricezione dell’arte italiana all’estero? Dove ne riconosce gli effetti, oggi, nelle raccolte americane?

Presentare opere di questo calibro su una piattaforma internazionale è stato certamente fondamentale nel consolidare il riconoscimento di questi artisti fuori dall’Italia. Le Italian Sales hanno contribuito a portarli davanti a generazioni di collezionisti internazionali, creando un contesto in cui l’arte italiana del dopoguerra potesse essere letta non come un fenomeno isolato, ma come parte integrante della storia dell’arte internazionale del XX secolo.

Rispetto a venticinque anni fa, il panorama è profondamente cambiato. L’arte italiana del dopoguerra è oggi più presente e più compresa all’interno delle collezioni internazionali, comprese quelle americane, e il confronto con i contemporanei europei e statunitensi avviene in maniera molto più naturale.

Nel 1960 Joan Mitchell intitola un dipinto all’amica Barbara Guest. Che momento è per la sua pittura, e che cosa ci racconta quella dedica?

È un’opera realizzata in un momento di svolta nella carriera di Joan Mitchell, all’inizio di quella che sarebbe diventata una delle fasi più celebrate della sua produzione e del suo primo linguaggio maturo. In questi dipinti dei primi anni Sessanta si avverte una nuova energia: il gesto diventa più libero, il movimento più intenso e la pittura acquista forza lirica che diventerà poi caratteristica del suo lavoro.

Anche il titolo rende The Green Book of Barbara Guest particolarmente speciale. Mitchell raramente intitolava le proprie opere facendo riferimento alle persone che le erano vicine, preferendo evocare paesaggi o forme naturali. Qui, invece, il riferimento all’amica e critica d’arte Barbara Guest offre uno sguardo molto raro sul mondo intellettuale e personale dell’artista, e su quel dialogo tra poesia e pittura che caratterizzava il suo ambiente in quegli anni.

L’opera appartenne inizialmente alla stessa Mitchell, è rimasta nella collezione dei Baum per quarant’anni e torna ora in mostra al pubblico per la prima volta in sessant’anni.

Ruth decideva dove collocare le opere in casa e apriva le porte ai gruppi dei musei. Nel 2008 i Baum finanziarono il primo incarico di curatore per l’arte contemporanea al Norton Museum of Art. Che rapporto c’era, per loro, fra questi due modi di condividere la collezione?

La dimensione personale era molto importante. Per i Baum collezionare significava prima di tutto vivere con l’arte: le opere erano parte della loro casa e della loro vita insieme. Ruth pensava personalmente al modo in cui dialogavano con gli ambienti, e credo che questo racconti bene il loro approccio. Volevano che l’arte facesse parte della quotidianità e poterla condividere con gli altri.

Questo desiderio di condivisione aiuta anche a comprendere il loro impegno filantropico. Aprire le proprie case a gruppi museali e istituzioni culturali era un modo per rendere accessibile agli altri qualcosa che nasceva come una passione privata. Il rapporto con il Norton Museum rappresenta una naturale estensione di questa filosofia, e dell’idea che una collezione possa avere una vita e un significato che vadano oltre quella dei suoi proprietari.

Credo sia un aspetto importante della loro eredità: insieme alle opere, hanno voluto condividere la curiosità e l’entusiasmo che avevano accompagnato il loro percorso di collezionisti. Come diceva Ruth Baum: “Art is exhilarating. It’s life.”

Che cosa, nella storia di queste opere, può fare la differenza in asta? Da quali collezionisti si aspetta una risposta, anche fuori dagli Stati Uniti?

Credo che la collezione arrivi in un momento particolarmente interessante per il mercato. Quando emergono opere di qualità, con provenienze importanti e un ruolo significativo nella carriera di un artista, l’interesse rimane molto forte. Ci aspettiamo sicuramente una forte partecipazione internazionale.

La collezione nasce in America, ma il suo linguaggio è profondamente globale: mette in dialogo alcuni dei grandi protagonisti dell’arte americana del dopoguerra con figure fondamentali dell’avanguardia europea e italiana. È proprio questa capacità di attraversare geografie e movimenti che credo possa parlare a collezionisti americani, europei e asiatici.