La fotografia come strumento di rappresentazione, costruzione dell'immagine e interpretazione della realtà. È il filo conduttore della proposta della 193 Gallery a Paris Photo 2026, in programma dal 12 al 15 novembre al Grand Palais di Parigi. Per lo stand C11 la galleria presenta sette artisti – April Bey, Gaëlle Choisne, Joana Choumali, Hassan Hajjaj, Shourouk Rhaiem, Thandiwe Muriu e Lorenzo Vitturi – le cui ricerche ampliano il campo della fotografia attraverso il ricorso a tessuti, ricamo, assemblaggio, scultura e installazione.

Fondata nel 2018 e attiva tra Parigi, Venezia e Saint-Tropez, la galleria rivolge particolare attenzione alle scene artistiche internazionali, con una presenza significativa di artisti provenienti dalle geografie del Sud globale, dall'Africa ai Caraibi, dall'America Latina al Sud-est asiatico. La selezione per Paris Photo riunisce così esperienze diverse, accomunate dall'interesse per i rapporti tra immagine, appartenenza culturale, memoria e rappresentazione. Tra gli artisti presenti figura Hassan Hajjaj, nato a Larache, in Marocco, nel 1961 e cresciuto a Londra. Il suo lavoro fotografico si concentra sul ritratto e sulla rielaborazione dei codici della cultura popolare. Musicisti, artisti e protagonisti della scena urbana vengono fotografati in composizioni dai colori saturi, con abiti disegnati dallo stesso Hajjaj e fondali realizzati attraverso tappeti, tessuti nordafricani e materiali di uso quotidiano. Anche le cornici partecipano alla costruzione dell'immagine: spesso realizzate con confezioni e oggetti di consumo, richiamano il linguaggio pubblicitario e la Pop Art, accostandoli alla tradizione visiva marocchina. Nell'opera «MACAAL Crew» (2017/1438), presentata nel materiale della galleria, la cornice è realizzata in legno di pioppo e lattine Harira personalizzate. Fotografia e oggetto espositivo condividono così la stessa composizione, nella quale entrano riferimenti alla cultura materiale e ai consumi contemporanei.

Il ricamo è invece al centro della ricerca di Joana Choumali, artista nata ad Abidjan nel 1974. Nelle sue opere, fili e trame vengono applicati direttamente sulla stampa fotografica, modificandone la superficie e introducendo un intervento manuale che richiede tempo e precisione. «Time to Blossom» (2026), realizzata con ricamo su fotografia digitale stampata su tela, documenta questo procedimento: il tessuto attraversa l'immagine, ne modifica la continuità e aggiunge una dimensione materica alla rappresentazione fotografica. Il lavoro si sviluppa così tra fotografia e pratica artigianale, con un'attenzione particolare alla memoria e all'esperienza personale. Nel 2019 Choumali ha ricevuto il Prix Pictet per la serie «Ça va aller», diventando la prima artista africana a ottenere il riconoscimento.

Corpo, abbigliamento e ambiente sono al centro dei ritratti di Thandiwe Muriu, artista keniota nata e attiva a Nairobi. Le figure femminili emergono da fondali composti da tessuti africani, in particolare Ankara e Kanga, caratterizzati da motivi geometrici e cromie intense. La ripetizione dei pattern crea effetti ottici che confondono i contorni dei corpi con quelli dello sfondo, facendo quasi scomparire le figure nell'ambiente circostante. La serie «Camo» sviluppa questo principio del mimetismo per affrontare gli stereotipi legati alla rappresentazione delle donne africane. Attraverso abiti, accessori e riferimenti al patrimonio tessile, Muriu costruisce ritratti nei quali moda e cultura visiva diventano strumenti di autorappresentazione.

Un immaginario fantascientifico caratterizza il lavoro di April Bey, cresciuta alle Bahamas e oggi attiva a Los Angeles. Con il progetto «Atlantica» l'artista ha sviluppato una mitologia personale ambientata su un pianeta immaginario, popolato da figure che riflettono esperienze e prospettive della cultura nera. L'origine del progetto è legata a un racconto dell'infanzia: per spiegare alla figlia le esperienze di razzismo e discriminazione legate al colore della pelle, il padre le raccontava che la famiglia proveniva da un altro pianeta ed era stata mandata sulla Terra per osservarla. Bey ha ripreso questa storia trasformandola in un universo narrativo attraverso cui affronta questioni di genere, postcolonialismo, appartenenza e cultura digitale. Pellicce sintetiche, glitter, vinile e tessuti intrecciati compongono opere bidimensionali e installazioni che combinano fantascienza, cultura pop e immaginari afro-diasporici. La finzione diventa il punto di partenza per immaginare nuove forme di rappresentazione e appartenenza.

La ricerca di Gaëlle Choisne, artista francese di origine haitiana e vincitrice del Prix Marcel Duchamp nel 2024, attraversa installazione, fotografia, pittura e scultura. I suoi lavori affrontano la storia coloniale, le tradizioni creole, i sistemi di credenze e le forme di sfruttamento delle risorse naturali. Nella serie «Safe Space for a Passing History», fotografie, ceramiche, pietre, chiavi, conchiglie e materiali di recupero vengono assemblati su supporti lignei, formando composizioni dense di riferimenti simbolici e frammenti di memoria. L'artista ricorre anche al termine «scrap-painting» per descrivere questo procedimento, nel quale materiali e immagini provenienti da contesti differenti confluiscono in un'unica superficie. La fotografia entra così in un archivio visivo fatto di oggetti e tracce del passato, che vengono accostati e rimessi in circolazione.

Anche Shourouk Rhaiem, artista franco-tunisina, lavora sulla memoria delle immagini e sul rapporto tra oggetti, desideri e cultura del consumo. La sua pratica si sviluppa tra fotografia, scultura e installazione. Fotografie di famiglia, riviste, confezioni di prodotti, flaconi di profumo e oggetti di consumo vengono raccolti, ricomposti e impreziositi con cristalli Swarovski. Materiali legati alla quotidianità e alla pubblicità acquistano nuove caratteristiche attraverso un intervento che combina nostalgia, attrazione visiva e ironia. L'ornamento, spinto fino all'eccesso, richiama i modelli di bellezza e le aspirazioni veicolate dalle immagini commerciali, mostrando quanto questi riferimenti entrino nella memoria personale e nella costruzione dell'immaginario sociale.

Completa la selezione Lorenzo Vitturi, artista italiano di origini peruviane, che lavora tra fotografia, scultura e tessitura. La sua ricerca prende spesso avvio da indagini sul territorio, condotte attraverso l'incontro con comunità locali, mercati e tradizioni artigianali. Gli oggetti e i materiali raccolti durante questi percorsi vengono assemblati in composizioni che diventano successivamente fotografie e opere tridimensionali. In «Dalston Anatomy» e «Money Must Be Made», dedicati rispettivamente al mercato di Ridley Road a Londra e a quello di Balogun a Lagos, Vitturi osserva la circolazione delle merci e le economie informali come elementi delle trasformazioni culturali e sociali delle città. Con «Caminantes» l'indagine si concentra invece sulle origini familiari e sul rapporto tra Venezia e Perù, attraverso l'accostamento di vetro di Murano, fibre tessili e materiali organici. La fotografia si inserisce in un processo di lavoro che comprende raccolta, manipolazione e trasformazione della materia.